El cine moderno

Resulta complicado delimitar la época llamada cine moderno. A diferencia de otras épocas tan marcadas de la cinematografía, no existen eventos que modifiquen el lenguaje cinematográfico para demarcarlo claramente (como por ejemplo el uso del montaje o aparición del sonoro en décadas anteriores ). Las innovaciones realizadas en esta época tendieron más a reforzar el lenguaje que a modificarlo (aparición de las pantallas grandes y del color).

Esta etapa se caracteriza por la "búsqueda de lo nuevo" y "rechazo de la tradición".

Cronológiamante podemos ubicar al cine moderno junto con el nacimiento de las nuevas vanguardias y situarlo desde fines de los años cincuenta hasta mediados de los setenta.

Nouvelle Vague: nueva generación de cineastas reunidos alrededor de la publicación Cahiers du Cinemá dónde escribe artículos y críticas.

Son consientes del lenguaje cinematográfico, en palabras de Godard "somos los primeros cineastas que saben que Griffith existe".

Expresan sus propias inquietudes y su propio malestar.

- Abandonan las tramas novelescas y los personajes redondos
- No ocultan como sus antecesores los procedimientos de la puesta en escena. Evidencian la subjetividad del autor.
- Proponen y fomentan circuitos de exhibición alternativos.

Para estudiar al cine moderno, nos basaremos en la experiencia situada en Estados Unidos.

The New American Cinema group (1960) y la New Film Makers Coperative (1962) coronan casi 3 décadas de tentativas experimentales.
Siguen la idea de un cine personal, sin condicionamientos, utilizando formatos reducidos como el 16 mm y el 8 mm. Huyen de cualquier forma de distribución convencional. Todo lo que Hollywood había ignorado hasta el momento (por motivos de mercado, censura e ideología) será la base de este cine que asumió la etiqueta de UNDERGROUND.
Autodefinidos film makers, tomaremos a Jonas Mekas y a Andy Warhol (uno de los artistas mas significativos del pop art).

Warhol realizó films a partir de un encuadre único y un tema fijo:

Sleep (1964) - La filmación durante 6 hs de un hombre que duerme

Empire (1965) - La filmación del edificio Empires State por 8 hs



Kiss - besos entre amigos, amigas y asistentes

Si bien el New American Cinema Group intentó configurar, realizar y distribuir un tipo de cine que no supusiera ninguna clase de relación o de compromiso con Hollywood, en mcuhas de sus obras puede leerse una clara referencia al cine clásico Hollywoodense. Si bien se trata de parodias en tono irónico, no dejan de reconocer, implícitamente el importante papel de este cine.

Jonas Mekas
A partir de 1958 comienza a escribir en Village Voice. Mekas impulsaba la creación de un contrapunto neoyorquino a la Nouvelle Vague francesa y al Free Cinema inglés. Comienza filmando momento cotideanos de su vida y luego lo une con el montaje.

Velvet Underground's first public appearance (1966)

Alguna Filmografía de Mekas:

Volviendo al inicio del cine moderno, como sucedió en otros países uno de los momentos de mayor interés de estas experiencias alternativas lo constituyó el cine documental:

ANEXO: CINEMA VERITÉ

Utilización de equipos ligeros de cámara (16mm) y grabación directa del sonido, adoptan módulos expresivos propio del reportaje televisivo o basados en la improvisación.

Principales características:

- Toma sincrónica de imagen y sonido
- Equipos livianos
- Actores no profesionales que se interpretan a sí mismos
- Empleo de la improvisación y rechazo a las técnicas de estudio
- Papel activo de la cámara que intenta establecer un contacto directo e inmediato con lo real

Bibliografía consultada: saber ver el cine, Antonio Costa

Cine de postguerra - Neorrealismo Italiano

Principales características:

- Tramas ambientadas entre los sectores más desfavorecidos
- Cine rodado en las calles
- Escenarios naturales
- Actores no profesionales en el reparto
- Plasman la realidad sin manipularla
- Posee cierta continuidad con su precesor, el cine fascista (La referencia a una realidad cotidiana, a las características “regionales” y “típicas”)

Roma, ciudad abierta, 1945 Roberto Rossellini




Ladrón de bicicletas, 1948 Vittorio de Sica





La película, considerada el mejor trabajo de Vittorio de Sica, está basada en la novela Ladri di biciclette de Luigi Bartolini. El guión fue escrito por Cesare Zavattini. Roma, 1948: la ciudad no es el mero escenario, sino una protagonista más de la historia.
Devastada por la guerra, acaba de empezar su lento camino hacia la reconstrucción. Estamos en Val Melaina, extrema periferia con nuevos edificios habitados por familias pobres, en las que la guerra ha dejado las heridas sociales más profundas. Antonio Ricci, obrero y padre de familia, tras un largo periodo de paro consigue un trabajo como cartelero municipal, pero para realizarlo necesita una bicicleta, y la suya está empeñada en el montepío. Rescata la bicicleta a costa de las sábanas de su casa, que su esposa María le entrega con la esperanza puesta en el futuro sueldo. Sin embargo, en cuanto pega el cartel cinematográfico de Rita Hayworth, dos majaderos se la roban. Comienza así una triste peregrinación por Roma en compañía de su pequeño hijo Bruno. Lo único que obtiene es la indiferencia general; primero en la comisaría, donde los agentes tienen cosas más importantes en la cabeza que encontrar la bicicleta de un pobretón; después en Piazza Vittorio y Porta Portese, humildes mercadillos donde cada uno se apaña como puede. La búsqueda continúa por las calles de una ciudad atiborrada y apática. Antonio entra en una iglesia persiguiendo a un pobre viejo, con la esperanza de obtener información sobre su bicicleta. Durante la misa, una señora con sombrero y velo blanco reparte con aire de suficiencia bonos para comer. El deambular sumiso se va haciendo desesperado. Frente al estadio, Antonio decide robar una bicicleta pero la multitud lo persigue y lo apresa. Sólo las lágrimas de Bruno evitan que termine en la cárcel. Antonio y Bruno caminan derrotados mientras la ciudad se va haciendo cada vez más oscura y hostil.

Cine clase B

Como ya hemos visto, en los años 20 se comienza a trabajar en Hollywood bajo los tres pilares que lo consolidan como industria:


- Star System

- Studio System

- Cine de Géneros


Las Majors poseían el contro de los sistemas de Producción, Distribución y Exhibición de las películas. A partir de la depresión económica sufrida en USA
en 1929 la respuesta de las Majors a la falta de audiencia en las salas, fue crear otro tipo de cine que pudiera presentarse en funciones "dobles" o más barato que los estrenos de las películas clase A. Este cine fue llamado clase B y generalmente acompañaba a una película de clase A creando funciones dobles más atractivas para el público.


La mujer pantera (1942)


















Este tipo de cine fue un trampolín para nuevos directores y actores.



Luego naciaeron los "seriales", como ejemplo tenemos la saga de "Flash Gordon"




A partir del fallo de 1948 en la que las Majors fueron acusadas de Monopolio y obligadas a dejar de lado sus cadenas, lo que hizo que no manejaran más la exhibición. De esta manera se comenzaron a priorizar las películas clase A y dejaron de exhibirse las clase B que las acompañaban.

A esto se le suma la aparición de la televisión en los años 50, lo que terminó por eliminar de las salas comerciales al cine clase B.

Paralelamente se crearon nuevos cines y productoras independientes dedicados a este tipo de cine de bajo presupuesto.

Muchos de estos films fueron considerados a posteriori clásicos del cine e inclusive lanzaron estrellas a la fama (como Humphrey Bogart en el último refugio, 1940).

A fines de la década del 50, nace el subgénero clase Z que se trataba de films realizados con menos recursos que los de clase B. Uno de los directores más reconocidos en este género es Ed Wood, director de Plan 9 from outer space, reconocida como la primera película de género Z y la peor de todos los tiempos.





Ed Wood

A quien le interese la vida de este director puede ver "Ed Wood" de Tim Burton, 1994.

La edad de oro en Hollywood

Ya hemos estudiado algunos de los factores que hacen posible el ascenso de Hollywood como industria cinematográfica:

- Desde Zukor que comienza con la organización desde la Paramount del Star y Studio System
- Otro aporte de Zukor es la clasificación de los films en diferentes categorías, según su presupuesto y público, colaborando en parte al comienzo de cine de géneros
- El cine sonoro también colabora en la consolidación de diferentes géneros (como el drama y la comedia, que utilizan la naturaleza de los diálogos para fortalecerse y el nacimiento de la comedia musical y los dibujos animados)
- El exilio de diferentes directores vanguardistas europeos a Norteamérica perseguidos por regimenes nacionalistas, lo que le da a Estados Unidos cineastas de gran experiencia

Entre 1932 y 1946 para muchos países cine era sinónimo de cine americano.

La respuesta a esto la encontramos en la formula organizativa de la economía cinematográfica que ya hemos visto aparecer en los años 20: el studio system, el star system y el cine de géneros.

Para la realización de las tomas fotográficas estudiaremos dos directores que gozaron de cierta libertad dentro del Studio System imponiendo sus propios estilos:

Orson Welles y Alfred Hitchcock

Comenzamos por Orson Welles, quien nace en 1915 y se dedica en primera instancia a la radio. Creador de la Guerra de los Mundos, radionovela en la que algunos oyentes toman por real un episodio en dónde los extraterrestres atacan la tierra generando un verdadero caos, es convocado para escribir y dirigir cine. Actor, guionista y director, estrena en 1941 una de las películas más importante en la historia del séptimo arte: Citizen Kane. En este film Welles reformula el lenguaje cinematográfico desde Griffith y los aportes de la Vanguardia Rusa.

Algunos de los aportes son los siguientes:

- Utilización de la profundidad de campo: para Welles la acción ocurre en varios lugares dentro de un mismo plano o plano secuencia
- Utilización del gran angular (en función tb de la profundidad de campo)
- Utilización de película de iso elevado (en función tb de la profundidad de campo)
- Nos encontramos frente a una sola narración armada por diferentes relatos debido a un uso nunca visto hasta el momento del flashback (era bastante elemental)
- Quiebra la iluminación utilizada hasta el momento en Hollywood (bastante pareja y desenfocados los primeros planos) para llevarla a su máxima expresión
- La altura y angulación de cámara seleccionada para cada plano tienen un objetivo claro que colabora en la narración
- Gran uso narrativo de los planos secuencia

Seguimos con Alfred Hitchcock, reconocido como uno de los más grandes directores de género. Inglés, comienza trabajando como diseñador de rótulos para luego pasar a desempeñarse un poco en cada uno de los roles de los diferentes oficios cinematógraficos. Trabaja como asistente de dirección en la UFA (Alemania) y se influencia con el expresionismo alemán.
Luego de dirigir algunas películas, llega el éxito internacional con The man who knew too much en 1934. Una de las películas más importantes de su etapa en Londres es 39 steps.
Alrededor de 1940 se muda definitivamente a Hollywood para seguir su carrera, dónde continua trabajando hasta 1980 cuando fallece.
Es reconocido por todas las corrientes cinematográficas como el gran maestro del suspense y la sugestión.

Unidades del Cine

Las unidades en las que se divide la narración cinematográfica son las siguientes:

• Plano: Unidad básica de narración cinematográfica. Es la unidad temporal ya que representa un fragmento de la realidad y tiene una duración determinada.
• Toma: Cada una de las veces que se graba un plano, independientemente de que esté en el montaje final de la película o no.
• Escena: Unidad espacial y argumental de la película compuesta por una serie de planos con sentido argumental.
• Plato: Espacio físico o escenario teatral donde se actúa.

Encuadre y planos
• A través del encuadre el director selecciona una parte del espacio real donde se desarrolla la acción.
• El encuadre o plano toma como referencia la figura humana.
• El encuadre se elige según la intención narrativa y el valor expresivo que se quiera transmitir. Por ejemplo, si el director quiere añadir dramatismo a una escena
utilizará el primer plano. Si por el contrario quiere mostrar cómo es un ambiente, utilizará un plano general.
• Los principales planos de encuadre que puede utilizar un director de cine son:

Planos
Gran Plano General (GPG). Es un plano descriptivo del escenario donde se desarrolla la acción. La figura humana apenas se distingue.
Plano General (PG). También describe el lugar donde se desarrolla la secuencia pero la presencia de la figura humana cobra más importancia, aparece completa
Plano Entero (PE): figura humana entera casi sin contexto
Plano Americano (PA) o plano tres cuartos: Corta a la figura humana a la altura de las rodillas.
Plano Medio (PM). Corta al sujeto por la cintura.
Primer Plano (PP). Corta al personaje por los hombros permitiendo observar el estado emotivo del mismo.
Plano de Detalle (PD). Recoge una parte pequeña de la figura humana: una mano, los ojos, una oreja...

La angulación

• El encuadre, además, se enriquece cuando el director elige un punto de vista
adecuado para registrar la escena. La angulación utiliza como criterio la altura de
la cámara en relación a la mirada de los personajes o actores. Las diferentes angulaciones aportan una carga expresiva.
• Así, podemos distinguir entre:

A) Ángulo Medio punto de vista normal. La cámara se sitúa a la altura
hipotética de los ojos del espectador.

B) Ángulo Picado. La acción se observa desde arriba. Es también llamada
'vista de pájaro'. El ángulo picado, sirve para minimizar o ridiculizar a un personaje. Al apreciarlo desde arriba, con su mirada en la misma dirección, nos da la sensación de vulnerable o dominado.

C) Ángulo Contrapicado. La acción se observa desde abajo. La cámara se
sitúa a ras de suelo. Es también llamada 'vista de rana'. El ángulo contrapicado ayuda a magnificar al personaje, dándole un aire majestuoso y noble.

D) Ángulo Nadir. Es el contrapicado absoluto. La cámara se sitúa muy abajo y prácticamente perpendicular al suelo. Es como si el punto de vista adoptado estuviese debajo del personaje.

E) Ángulo Cenital. Es el picado absoluto. El punto de vista se sitúa en la
vertical del personaje. La cámara se encuentra muy arriba y perpendicular al suelo.

Montaje

Movimientos de cámara - Sus funciones

Funciones desde el punto de vista
de la narración cinematográfica:
• A) Acompañamiento de un personaje u objeto en movimiento. Ej. La cámara sigue a la diligencia que galopa.
• B) Creación de un movimiento ilusorio en un objeto estático.
• C) Descripción de un espacio o una acción con un contenido material o dramático único y unívoco. Ej. Un travelling hacia atrás descubre
de a poco un baile al aire libre.
• D) Definición de relaciones espaciales entre dos elementos de la acción (entre dos personajes o entre un personaje y un objeto:
• Puede haber una simple relación de coexistencia espacial pero también la
introducción de una sensación de amenaza o peligro mediante un movimiento de cámara que va desde un personaje amenazante o amenazado (usualmente lo segundo) hacia el otro, reforzando lo dramático de la situación.
• Para establecer un vínculo topográfico entre dos elementos de la acción. Ej. Los dos fugitivos se creen perdidos en medio de la vegetación acuática pero un travelling vertical nos muestra que están cerca del agua abierta.
• E) Relieve dramático de un personaje u objeto, destinados a desempeñar un papel importante en la consecución de la acción.
Ej. Travelling que encuadra en primer plano la vela que habrá de incendiar la cabaña.
• F) Expresión subjetiva de la visión de un personaje en movimiento.
• G) Expresión de la tensión mental de un personaje, punto de vista subjetivo u objetivo.
• Las tres primeras clases de funciones son puramente descriptivas, es decir, el movimiento de la cámara no tiene valor en calidad de tal sino sólo en cuanto a lo que permite mostrarle al espectador y en algunos casos podrían se remplazados por planos separados.
• Las cuatro últimas funciones por el contrario tienen un valor dramático, es decir, el movimiento mismo tiene significado en calidad de tal y tiende a expresar, recalcándolo, un elemento material o psicológico llamado a desempeñar una función decisiva en el desarrollo de la acción.
• Junto a estas dos funciones, descriptivas y dramáticas, hay una tercera que es la función rítmica, destinada a dinamizar el espacio.

Clases de movimientos de cámara
• A) Travelling: Consiste en un movimiento de la cámara durante el cual permanece constante el ángulo entre el eje óptico y la trayectoria del desplazamiento.
• B) Paneo: Consiste en una rotación de la cámara en torno de su eje horizontal sin desplazamiento del aparato.
• C) Tilt up y tilt down: Consiste en una rotación de la cámara en torno de su eje vertical sin desplazamiento del aparato.

• D) Trayectoria: Combinación indeterminada del travelling y de la panorámica efectuada con ayuda de una grúa.

Enlaces y transiciones

• Los enlaces o transiciones están destinados a construir las articulaciones
del relato.
• Los procedimientos técnicos de transición constituyen lo que se puede llamar
puntuación. Las transiciones tienen por objeto asegurar la fluidez del relato

Procedimientos de transición

• A) El cambio de plano por corte seco: Es la sustitución brusca de una imagen por otra. Es la transición más elemental y a la vez fundamental , se realiza cuando la transición no tiene valor significativo por sí misma y cuando corresponde a un simple cambio de punto de vista o a una simple sucesión en la percepción, por lo general sin expresión de tiempo transcurrido ni espacio recorrido y , también, sin interrupción de la banda sonora.

• B) La apertura en fundido y el cierre en fundido (o fundido a negro): Suelen separa las secuencias unas de otras y sirven para marcar un importante cambio de acción secundaria, el transcurso del tiempo o hasta un cambio e lugar. El fundido a negro marca una notoria pausa en el relato y está acompañado por un detenimiento de la banda sonora. Es la forma de paso más destacada y corresponde al cambio de capítulo

• C) El fundido encadenado: consiste en la sustitución de un plano por otro por sobreimpresión momentánea de una imagen que aparece sobre la anterior, que se desvanece. Salvo raras excepciones siempre tiene por objeto significar un transcurso temporal, reemplazando en forma gradual dos aspectos temporalmente diferentes de un mismo personaje o un mismo objeto. El fundido encadenado, además, puede no tener más función que la de suavizar el corte seco para evitar los saltos de planos demasiado bruscos cuando se encadenan varios planos de un mismo sujeto.

• D) El barrido: fundido encadenado de un género en particular; consiste en pasar de una imagen a otra por medio de una panorámica muy rápida efectuada ante un fondo neutro y que en la pantalla aparece borroso.

• E) Las cortinas y los iris: Una imagen es reemplazada poco a poco por otra que se
desplaza, en cierto modo, delante de la anterior (lateralmente o a la manera de un
abanico), o bien la sustitución de la imagen se efectúa en forma de una apertura circular que se agranda o disminuye (iris).

Montaje
• Es la organización de los planos de un film en ciertas condiciones de orden y duración.
• Montaje narrativo
• Montaje expresivo

Montaje narrativo
• Es el aspecto más sencillo e inmediato del montaje que consiste en reunir planos, de acuerdo a una secuencia lógica o cronológica con vistas a relatar una historia, cada uno de los cuales brinda un contenido fáctico y contribuye a que progrese la acción desde el punto de vista dramático (el encadenamiento de los elementos
de la acción según una relación de causalidad) y desde el punto de vista psicológico (la comprensión del drama por el espectador

Montaje expresivo
• Basado en yuxtaposiciones de planos que tienen el objeto de producir un efecto directo y preciso a través del encuentro de dos imágenes.
• En este caso el montaje se propone expresar por sí mismo un sentimiento o una idea; deja de ser un medio para ser un fin: Tiende a producir efectos de ruptura en la mente del espectador, en lugar de fundirse en la continuidad .
• En la mayoría de los casos un montaje “normal” puede considerarse narrativo, mientras que un montaje muy rápido o muy lento es más bien un montaje expresivo pues el rito del montaje cumple una función psicológica. Sin embargo la división entre ambos no es precisa y suele darse que un montaje narrativo sea sumamente expresivo.

Extraído de texto de Marcel Martin.

El cine sonoro

En 1926 se estrenó en Nueva York Don Juan, con efectos sonoros y una partitura sincronizada y posteriormente varios cortos que fueron perfeccionando los dos sistemas que intentaban sincronizar el sonido con la imagen:

- El Vitaphone (desarrollado por la Warner)
- El Movietone (desarrollado por la Fox)

El primer largometraje presentado originalmente como película sonora fue El cantante de Jazz, estrenada en octubre de 1927.





La obra teatral el Cantor de Jazz había sido un éxito en Broadway en su versión original de 1925 y revivió en 1927 con Al Jonson como protagonista.

La llegada del sonoro causó una verdadera revolución en la estética de los films y en la técnica de producción y organización económica de la industria cinematográfica.

Algunos comienzan oponiéndose a este nuevo aporte, como es el caso de Charles Chaplin, quien utiliza el sonido en su película La Ciudad de las Luces (1931) como anexo a una película estructurada según los canones del "arte mudo".



En Rusia se redacta el Manifiesto del asincronismo, que intentaba encaminar la utilización del sonido por los senderos del contrapunto con el fin de garantizar la primacía del montaje como principio organizador y estético del film.

Los primeros films sonoros fueron poco alentadores frente a la madurez del cine mudo. Pero esto no impidió que el ciclo industrial de esta innovación fundamental siguiera su curso y modificara radicalmente el lenguaje cinematográfico y su estética. El cine es ante todo, una industria, por lo que el sonido se estudió y manejó según una lógica puramente económica.

El sonido enriqueció a muchos de los géneros y les dió nacimiento a otros. La comedia aprovechó las posibilidades del diálogo y el melodrama, que alcanzó un mayor realismo en la representación de los conflictos fueron dos de los géneros que más se destacaron con esta innovación tecnológica.

Dos de los géneros estrechamente relacionados con el nacimiento del sonido son: el musical y los dibujos animados.

El sonido fue un factor fundamental para el desarrollo del género fantástico y el de ciencia ficción, puesto que perfeccionó notablemente los efectos realistas de la narración cinematográfica.

Hacia 1930 el cine sonoro era un hecho y da lugar a la consolidación de Hollywood.

Steamboat Willie, Walt Disney, 1928

La Danza Macabra, Walt Disney, 1929




Bibliografía consultada: Saber ver el cine, Antonio Costa.

Vanguardias Cinematográficas

Expresionismo Alemán

Es opuesto al Naturalismo y hace énfasis en lo subjetivo. Para el artista expresionista lo importante es su visión interna, que se extiende a aquello que intenta representar deformándolo, intentando encontrar su esencia.

Principales características:
Se apoyó fundamentalmente en los dos elementos más cercanos a la pintura: decoración e iluminación.
La cámara estaba situada en la posición de un espectador teatral, y por lo cual inmóvil dentro de cada toma.
Por su misma vocación teatral: actores: pantomima.
Guiones estructurados con prólogo y epílogo.
Crean personajes que serán clásicos del cine de terror.

El Gabinete del Dr. Calighari . 1919



Impresionismo Francés

Orientados a la búsqueda y experimentación de nuevas soluciones estético formales, rehuirán de los productos comerciales norteamericanos, caracterizándose por otorgar una entidad intelectual al mundo del cine y sirviéndose del aspecto estético como medio para expresarse.

Basados en historias simples, respetan el modelo narrativo convencional. Innovadores en lo que respecta al tratamiento psicológico de los personajes, la subjetivización de las imágenes, la composición de climas y el manejo poético de la luz.

Toman al encuadre cinematográfico como una composición plástica: ya se comienza a componer con objetos que no están centrados, pudiendo aparecer cortados. Componen cada fotograma como si se tratara de una imagen fija.

Utilizan artificios ópticos: cámara lenta, desenfoque.

Con deformaciones ópticas transmiten el estado de ánimo de los personajes.

Utilizan el montaje alternado, el paralelo y el flashback. Las historias dejan de ser lineales.
Coeur Fidèle . 1923



Surrealismo

Nace en Paris en 1924. Su líder Andre Breton en su manifiesto declara al movimiento como: “automatismo psíquico puro, por el cual se propone expresar verbalmente, por escrito, o bien de otra manera, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón fuera de cualquier preocupación estética o moral”.

Principales recursos:

- Fundidos
- Cámara Lenta
- Uniones arbitrarias entre planos y secuencias


Un Chien Andalou . 1929 se ve genial en: http://www.cuevana.tv/peliculas/3491/un-chien-andalou/



Vanguardia Rusa

Método de representación no naturalista, la experimentación y la búsqueda de conceptos desde el montaje. El realizador se expone a sí mismo, queda evidente su mirada. Se recurre mucho al documentalismo.

El arte al servicio de la revolución.

Principales características:

Rechazo de la narrativa burguesa

Cine útil, persuasivo, al servicio de la Revolución

Los directores son nuevos creadores, precedentes de otras artes o de la industria

Se experimenta en todo y especialmente en el montaje

BATTLESHIP POTEMKIN . 1925



"The Man with a Movie Camera" (silent - 1929)