jueves

El cine sonoro

En 1926 se estrenó en Nueva York Don Juan, con efectos sonoros y una partitura sincronizada y posteriormente varios cortos que fueron perfeccionando los dos sistemas que intentaban sincronizar el sonido con la imagen:

- El Vitaphone (desarrollado por la Warner)
- El Movietone (desarrollado por la Fox)


El primer largometraje presentado originalmente como película sonora fue El cantante de Jazz, estrenada en octubre de 1927.





La obra teatral el Cantor de Jazz había sido un éxito en Broadway en su versión original de 1925 y revivió en 1927 con Al Jonson como protagonista.

La llegada del sonoro causó una verdadera revolución en la estética de los films y en la técnica de producción y organización económica de la industria cinematográfica.

Algunos comienzan oponiéndose a este nuevo aporte, como es el caso de Charles Chaplin, quien utiliza el sonido en su película La Ciudad de las Luces (1931) como anexo a una película estructurada según los canones del "arte mudo".


Minuto59

En Rusia se redacta el Manifiesto del asincronismo, que intentaba encaminar la utilización del sonido por los senderos del contrapunto con el fin de garantizar la primacía del montaje como principio organizador y estético del film.

Los primeros films sonoros fueron poco alentadores frente a la madurez del cine mudo. Pero esto no impidió que el ciclo industrial de esta innovación fundamental siguiera su curso y modificara radicalmente el lenguaje cinematográfico y su estética. El cine es ante todo, una industria, por lo que el sonido se estudió y manejó según una lógica puramente económica.

El sonido enriqueció a muchos de los géneros y les dió nacimiento a otros. La comedia aprovechó las posibilidades del diálogo y el melodrama, que alcanzó un mayor realismo en la representación de los conflictos fueron dos de los géneros que más se destacaron con esta innovación tecnológica.

Dos de los géneros estrechamente relacionados con el nacimiento del sonido son: el musical y los dibujos animados.

El sonido fue un factor fundamental para el desarrollo del género fantástico y el de ciencia ficción, puesto que perfeccionó notablemente los efectos realistas de la narración cinematográfica.

Hacia 1930 el cine sonoro era un hecho y da lugar a la consolidación de Hollywood.

Steamboat Willie, Walt Disney, 1928



Homenaje The Simpson



La Danza Macabra, Walt Disney, 1929





Bibliografía consultada: Saber ver el cine, Antonio Costa.

viernes

TP Cinemagraph

Hola Fotógrafos,

TP1: Cinemagraph.

Tema: inspiración en alguna de las 4 vanguardias que estudiamos.
Grupos: 1 a 3 compañeros.
Entrega
Carpeta digital con nombre/s del/los autor/es conteniendo:
.gif en 500 px de alto
.psd para ver el proceso
videos en la carpeta del proyecto.

Fechas:
Comisión C mañana: 28 de septiembre
Comisiones A/B mañana y tarde: 23 de septiembre

Dejen sus dudas en los comentarios por favor.
Recordar que si no entregan van directo a recuperatorio. No se aceptan trabajos por la mitad o memorias comidas por perros u otras excusas. Las excusas no se fotografían.

Si no pueden exportar en sus computadoras porque se traban, usen los laboratorios de la facultad. No lo dejen para último momento. Tenemos tiempo y espero piezas bellísimas en composición, color, retoque, movimiento y técnica. Atenti al fondo y figura, atenti a las alturas, angulaciones, planos, etc.

Papel.

Laura.



miércoles

Trabajo práctico 1: ¡Cinemagraph!


1. Grabamos con nuestra cámara en trípode una situación en dónde haya movimiento.
2. Lo abrimos en PS como un archivo normal:




3. Ya en Photoshop habilitamos el comando TIMELINE desde WINDOW:

4 . Seleccionamos una parte del video en la línea de tiempo en dónde no hayan demasiados cambios en la imagen (sombras, luces, etc.). La selección se realiza moviendo las horquillas

5. Nos paramos en un frame y realizamos una capa nueva (ctrl+J):

6. Rasterizamos la capa:

7. Aplicamos una máscara en nuestra capa de imagen fija:

8 . Desagrupamos las capas seleccionando Video Group, botón derecho: desagrupar. Ponemos encima la foto fija del video.

9 . Seleccionamos la herramienta brush (pincel) para borrar parte de la capa superior y descubrir el movimiento de la capa de abajo (video):


10. Antes de exportar cambiamos el tamaño de imagen (imagen-tamaño de imagen) a 500 px de alto.

11. Guardamos para web (a partir de CC lo encontrás en "exportar" - para web):


12. Seteamos nuestras preferencias: 
GIF 256 Colores
Repetir: Infinito (para que funcione como loop)

¡Listo!

Con trípode


Sin trípode (Se nota el movimiento de la tierra que no funciona bien en la imagen)

Guía básica para comenzar a grabar video

Hola grabar video.

1 . Término 
Por la naturaleza del formato digital nosotros GRABAMOS. El término FILMAR es utilizado para soportes fílmicos.

2 . Encuadre
Se graba apaisado, no vertical. Es importante encuadrar como en foto fija, entender que en el cine existe un fuera de campo, pero que cada encuadre debe ser pensado cuidadosamente.

3. Modo 
Seteamos la cámara en modo MANUAL.

4. Formatos
Todo depende para qué usemos el material. La mayoría de nuestras cámaras nos darán estas opciones:

Full HD 1920 x 1080
Máxima calidad. La opción de cuadros por segundos que nos ofrece es de 24 o 25. Recordemos que 24 cuadros por segundo nos dará una imagen más cinematográfica.

1280 x 720
Nos permite grabar en 50 y 60 cuadros por segundo. Esto se utiliza para lograr una cadencia mas fluida en el caso de trabajar la cámara lenta a posteriori por ejemplo. 




5. Diafragma y Obturación
Velocidad de obturación: depende de la cantidad de cuadros por segundo (fps). A partir de esta selección vamos a elegir nuestra velocidad de obturación multiplicando el número seleccionado x 2. O sea que si trabajamos en 24 o 25 fps setearemos nuestra velocidad en 1/50 y si trabajamos en 50 fps nuestra velocidad de obturación será de 1/100. A partir de este seteo seleccionaremos el diafragma adecuado para una correcta exposición. 

6. Enfoque
Enfocaremos en modo manual. Para realizarlo correctamente utilizaremos la herramienta lupa para acercarnos al 100% al objeto o al sujeto. Ponemos en foco y luego volvemos al encuadre original. Funciona igual que en la foto fija, si cambiamos la distancia focal, cambia el enfoque. O sea que si nos movemos o se mueve el sujeto, debemos realizar marcas en nuestro lente para cambiar el enfoque a medida que nos desplazamos. Profesionalmente este tarea la realiza el primer asistente de cámara (foquista) mientras el camarógrafo opera la cámara.




7. Balance de blancos
Es fundamental realizarlo en el momento de toma. Lo ideal es utilizar la cámara en grados Kelvin para ser bien preciso. A posteriori se puede realizar una corrección de color pero es importante partir de una base correcta.

8. Exponer
Nos vamos a manejar como si estuviésemos trabajando en JPG (o sea que poseemos menor latitud que en la toma en RAW). No nos guiaremos por el fotómetro de la cámara ni por lo que nos muestra la pantalla, la herramienta que utilizaremos para controlar la exposición es el histograma. 

9. Trípode y accesorios
Es fundamental poseer estabilidad en la imagen, por lo que trabajaremos con un buen trípode que sea idóneo para realizar los movimientos de cámara que necesitamos. Si realizamos todas las tomas con cámara en mano y luego editamos el resultado no será profesional. Asimismo existen otros accesorios que nos permiten realizar movimientos "controlados" pero mas desestructurados que el trípode (el shoulder, el steadycam, etc.).

10. ISO
Al igual que en foto fija priorizaremos trabajar con un ISO que no genere demasiado ruido si el objetivo es ampliar la imagen.

11. Perfil
Para grabar video es importante seleccionar un perfil adecuado. Podemos seleccionar entre los que nos ofrece el fabricante (normal, neutro, paisaje, etc) o trabajar con un perfil que seteemos nosotros según nuestras preferencias ("usuario"). Asimismo existe la posibilidad de grabar con perfiles que incrustemos en nuestra cámara desde la página de Canon por ejemplo. Un perfil que se utiliza bastante es el Cinestyle. 




domingo

Unidades del Cine

Las unidades en las que se divide la narración cinematográfica son las siguientes:

• Plano: Unidad básica de narración cinematográfica. Es la unidad temporal ya que representa un fragmento de la realidad y tiene una duración determinada.
• Toma: Cada una de las veces que se graba un plano, independientemente de que esté en el montaje final de la película o no.
• Escena: Unidad espacial y argumental de la película compuesta por una serie de planos con sentido argumental.
• Plato: Espacio físico o escenario teatral donde se actúa.

Encuadre y planos
• A través del encuadre el director selecciona una parte del espacio real donde se desarrolla la acción.
• El encuadre o plano toma como referencia la figura humana.
• El encuadre se elige según la intención narrativa y el valor expresivo que se quiera transmitir. Por ejemplo, si el director quiere añadir dramatismo a una escena
utilizará el primer plano. Si por el contrario quiere mostrar cómo es un ambiente, utilizará un plano general.
• Los principales planos de encuadre que puede utilizar un director de cine son:

Planos
Gran Plano General (GPG). Es un plano descriptivo del escenario donde se desarrolla la acción. La figura humana apenas se distingue.
Plano General (PG). También describe el lugar donde se desarrolla la secuencia pero la presencia de la figura humana cobra más importancia, aparece completa
Plano Entero (PE): 
figura humana entera casi sin contexto
Plano Americano (PA) o plano tres cuartos: Corta a la figura humana a la altura de las rodillas.
Plano Medio (PM). Corta al sujeto por la cintura.
Primer Plano (PP). Corta al personaje por los hombros permitiendo observar el estado emotivo del mismo.
Plano de Detalle (PD). Recoge una parte pequeña de la figura humana: una mano, los ojos, una oreja...

La angulación
• El encuadre, además, se enriquece cuando el director elige un punto de vista
adecuado para registrar la escena. La angulación utiliza como criterio la altura de
la cámara en relación a la mirada de los personajes o actores. Las diferentes angulaciones aportan una carga expresiva.

Así, podemos distinguir entre:

A) Ángulo Medio punto de vista normal. La cámara se sitúa a la altura
hipotética de los ojos del espectador.
B) Ángulo Picado. La acción se observa desde arriba. Es también llamada
'vista de pájaro'. El ángulo picado, sirve para minimizar o ridiculizar a un personaje. Al apreciarlo desde arriba, con su mirada en la misma dirección, nos da la sensación de vulnerable o dominado.
C) Ángulo Contrapicado. La acción se observa desde abajo. La cámara se
sitúa a ras de suelo. Es también llamada 'vista de rana'. El ángulo contrapicado ayuda a magnificar al personaje, dándole un aire majestuoso y noble.
D) Ángulo Nadir. Es el contrapicado absoluto. La cámara se sitúa muy abajo y prácticamente perpendicular al suelo. Es como si el punto de vista adoptado estuviese debajo del personaje.
E) Ángulo Cenital. Es el picado absoluto. El punto de vista se sitúa en la
vertical del personaje. La cámara se encuentra muy arriba y perpendicular al suelo.
Movimientos de cámara

Clases de movimientos de cámara
A) Travelling: Consiste en un movimiento de la cámara durante el cual permanece constante el ángulo entre el eje óptico y la trayectoria del desplazamiento.
B) Paneo: Consiste en una rotación de la cámara en torno de su eje horizontal sin desplazamiento del aparato.
C) 
Tilt up y tilt down: Consiste en una rotación de la cámara en torno de su eje vertical sin desplazamiento del aparato.
D) Trayectoria: Combinación indeterminada del travelling y de la panorámica efectuada con ayuda de una grúa.



Este video fue realizado por Gonzalo Sanchez.


Enlaces y transiciones
• Los enlaces o transiciones están destinados a construir las articulaciones
del relato.
• Las transiciones tienen por objeto asegurar la fluidez del relato.

Procedimientos de transición
• A) El cambio de plano por corte seco: Es la sustitución brusca de una imagen por otra. Es la transición más elemental y a la vez fundamental , se realiza cuando la transición no tiene valor significativo por sí misma y cuando corresponde a un simple cambio de punto de vista o a una simple sucesión en la percepción, por lo general sin expresión de tiempo transcurrido ni espacio recorrido y , también, sin interrupción de la banda sonora.

• B) La apertura en fundido y el cierre en fundido (o fundido a negro): Suelen separa las secuencias unas de otras y sirven para marcar un importante cambio de acción secundaria, el transcurso del tiempo o hasta un cambio e lugar. El fundido a negro marca una notoria pausa en el relato y está acompañado por un detenimiento de la banda sonora. Es la forma de paso más destacada y corresponde al cambio de capítulo

• C) El fundido encadenado: consiste en la sustitución de un plano por otro por sobreimpresión momentánea de una imagen que aparece sobre la anterior, que se desvanece. Salvo raras excepciones siempre tiene por objeto significar un transcurso temporal, reemplazando en forma gradual dos aspectos temporalmente diferentes de un mismo personaje o un mismo objeto. El fundido encadenado, además, puede no tener más función que la de suavizar el corte seco para evitar los saltos de planos demasiado bruscos cuando se encadenan varios planos de un mismo sujeto.

• D) El barrido: fundido encadenado de un género en particular; consiste en pasar de una imagen a otra por medio de una panorámica muy rápida efectuada ante un fondo neutro y que en la pantalla aparece borroso.

• E) Las cortinas y los iris: Una imagen es reemplazada poco a poco por otra que se
desplaza, en cierto modo, delante de la anterior (lateralmente o a la manera de un
abanico), o bien la sustitución de la imagen se efectúa en forma de una apertura circular que se agranda o disminuye (iris).

Montaje
• Es la organización de los planos de un film en ciertas condiciones de orden y duración.
• Montaje narrativo
• Montaje expresivo

Montaje narrativo
• Es el aspecto más sencillo e inmediato del montaje que consiste en reunir planos, de acuerdo a una secuencia lógica o cronológica con vistas a relatar una historia, cada uno de los cuales brinda un contenido fáctico y contribuye a que progrese la acción desde el punto de vista dramático (el encadenamiento de los elementos
de la acción según una relación de causalidad) y desde el punto de vista psicológico (la comprensión del drama por el espectador

Montaje expresivo
• Basado en yuxtaposiciones de planos que tienen el objeto de producir un efecto directo y preciso a través del encuentro de dos imágenes.
• En este caso el montaje se propone expresar por sí mismo un sentimiento o una idea; deja de ser un medio para ser un fin: Tiende a producir efectos de ruptura en la mente del espectador, en lugar de fundirse en la continuidad .
• En la mayoría de los casos un montaje “normal” puede considerarse narrativo, mientras que un montaje muy rápido o muy lento es más bien un montaje expresivo pues el rito del montaje cumple una función psicológica. Sin embargo la división entre ambos no es precisa y suele darse que un montaje narrativo sea sumamente expresivo.

Extraído de texto de Marcel Martin.

Vamos a trabajar en clase sobre este clip:



1. ¿Qué alturas y angulaciones de cámara reconocés? ¿Qué tamaños de plano utiliza?
2. ¿Hay movimientos de cámara?
3. ¿Por qué pensás que la directora utilizó esos recursos?
4. ¿Qué sucede con los tamaños de planos a medida que avanza la historia?
5. ¿Qué podés decir de las transiciones? ¿Cuáles utiliza y qué significan? ¿Hay algún cambio?
6. ¿Es un montaje narrativo o expresivo? ¿Hay elementos de ambos? Justificar.
7.  ¿Te gustan los recursos del lenguaje utilizados? ¿Cómo contarías vos esta historia teniedo en cuenta angulaciones y alturas de cámara, tamaños de plano, movimientos de cámara, calidad de luz, etc? ¿Cambiarías algo o te parece que es correcta la forma de mostrarlo? En este ítem recordar el ejercicio "Profesora entra, alumnos saludan" (muchas maneras de contarlo).

martes

Vanguardias Cinematográficas

1. Expresionismo Alemán

Es opuesto al Naturalismo y hace énfasis en lo subjetivo. Para el artista expresionista lo importante es su visión interna, que se extiende a aquello que intenta representar deformándolo, intentando encontrar su esencia.

Principales características:

Se apoyó fundamentalmente en los dos elementos más cercanos a la pintura: decoración e iluminación.

La cámara estaba situada en la posición de un espectador teatral, y por lo cual inmóvil dentro de cada toma.

Por su misma vocación teatral: actores: pantomima.

Guiones estructurados con prólogo y epílogo.

Crean personajes que serán clásicos del cine de terror.


El Gabinete del Dr. Calighari . 1919


Escena para ver en clase en 9:45



Metropolis - Fritz Lang 1927

Escena para ver el clase: 16:10 y/o 1:07



Vincent - Tim Burton 2006




Frankenweenie | trailer #1 US (2012) Tim Burton

Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street - Trailer



2. Impresionismo Francés

Orientados a la búsqueda y experimentación de nuevas soluciones estético formales, rehuirán de los productos comerciales norteamericanos, caracterizándose por otorgar una entidad intelectual al mundo del cine y sirviéndose del aspecto estético como medio para expresarse.

Basados en historias simples, respetan el modelo narrativo convencional. Innovadores en lo que respecta al tratamiento psicológico de los personajes, la subjetivización de las imágenes, la composición de climas y el manejo poético de la luz.

Toman al encuadre cinematográfico como una composición plástica: ya se comienza a componer con objetos que no están centrados, pudiendo aparecer cortados. Componen cada fotograma como si se tratara de una imagen fija.

Utilizan artificios ópticos: cámara lenta, desenfoque.

Con deformaciones ópticas transmiten el estado de ánimo de los personajes.

Utilizan el montaje alternado, el paralelo y el flashback. Las historias dejan de ser lineales.
 



La souriante madame Beudet - 1923 -  Germanie Dulac

Escena para ver el clase: 05:42 




Napoleón - Abel Gancé (1927)





The Fabulous Destiny of Amelie Poulain (2001)





3. Surrealismo

Nace en Paris en 1924. Su líder Andre Breton en su manifiesto declara al movimiento como: “automatismo psíquico puro, por el cual se propone expresar verbalmente, por escrito, o bien de otra manera, el funcionamiento real del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón fuera de cualquier preocupación estética o moral”.

Principales recursos:

- Fundidos
- Cámara Lenta
- Uniones arbitrarias entre planos y secuencias



Destino
Salvador Dali + Disney
Lanzado en 2003. Su producción comienza en 1958.




Delicatessen (1991) Trailer

Directores: Marc Caro, Jean-Pierre Jeunet



4. Vanguardia Rusa


Método de representación no naturalista, la experimentación y la búsqueda de conceptos desde el montaje. El realizador se expone a sí mismo, queda evidente su mirada. Se recurre mucho al documentalismo.


El arte al servicio de la revolución.


Principales características:
Rechazo de la narrativa burguesa
Cine útil, persuasivo, al servicio de la Revolución
Los directores son nuevos creadores, precedentes de otras artes o de la industria
Se experimenta en todo y especialmente en el montaje

BATTLESHIP POTEMKIN . 1925



Homenajes



"The Man with a Movie Camera" (silent - 1929)



El efecto Kuleshov

Consistió en intercalar el mismo plano inexpresivo del actor Ivan Mozzhukin a tres planos diferentes: una mujer en actitud seductora, un plato de sopa y una niña en un ataúd. Cuando las tres secuencias fueron proyectadas por separado ante tres públicos diferentes, se pudo comprobar que los espectadores, en cada caso, admiraron la habilidad interpretativa de Mosjukin y su capacidad de evocar, respectivamente, deseo, hambre y tristeza.




El efecto Kuleshov explicado por Alfred Hitchcock