martes

Paso dos para Premiere

A. Generar títulos

Todos los trabajos deberán tener una placa negra con el nombre, comisión y turno de 3 segundos de duración. Pasos:

1. 



2. 



3. Ponerle nombre



4. Seleccionamos Background solid negro



5. Tipografía Helvética 



 

6. 



7. Lo cierro con cruz y lo encuentro en dónde arrastramos nuestros videos en el primer tutorial



8. Lo arrastro a la línea de tiempo al comienzo y lo corto a 3 segundos (por default es de 5)



B. Fundido final

Todos los trabajos deberán fundir al final.
Pasos:

1. Con mi película armada busco la solapa Efectos:



2. Abro Video transitions




3. Selecciono Dip to black




4. Lo arrastro sobre el último pedacito de mi tramo de video




C. Corregir el color (menos es más y la sutileza gana, no sean bizarros)


1. Voy nuevamente a la pestaña efectos y selecciono efectos de video



2. En Corrección de color tienen varias opciones para tocar



D. Exportar el video a .mp4
Pasos:

1. Ventana File o Archivo, export media



2. Formato: H.264



3. Seleccionar Youtube 1080 HD



4. Exportar y fin.

Primeros pasos en Adobe Premiere Pro

Hola,

Primero pasos para usar Premiere:

1. Generamos un nuevo proyecto 



2. Elegimos dónde guardar el proyecto
3. Nombramos el proyecto

4. Elegimos un preset o seteamos resolución y frames



5. Entramos al espacio de trabajo dónde tendremos dos monitores (origen y secuencia), línea de tiempo y la ventana en dónde importaremos nuestros videos (abajo a la izquierda)




6. Importo los videos (botón derecho importar)



7. Ya con los videos importados lo que vamos a hacer es trabajar sobre la línea de tiempo y a utilizar y conocer las herramientas.

8. Arrastramos el clip seleccionado al monitor de origen.



9. Visualizamos con play o barra espaciadora y seleccionaremos los puntos de entrada y de salida del plano seleccionado.

























10. Para comenzar a trabajar en la línea de tiempo arrastramos el clip a nueva secuencia y a partir de ahí comenzamos a trabajar con la herramienta corte (lo ampliamos y practicamos en clase). Si sólo se quiere utilizar el video se selecciona ese ícono y se arrastra directo.



lunes

Trabajo Práctico final

Estimados fotógrafos,

Van las pautas para el TP final :

- Trabajo individual o grupal de hasta 4 personas.

-  Trabajarán tomando como inspiración a los realizadores Jonas Mekas y de Stan Brakhage.

- Formato de entrega: .mp4. Se puede trabajar con cámaras digitales, celulares, analógicas, etc

- 1 a 3 minutos, sonoro o silente.



Saludos,


Laura

martes

Seguimos con Cine Experimental, BRAKHAGE!

Conozcamos a Stan Brakhage:

Realiza 400 películas hasta su muerte en 2003, sólo 27 sonoras. Nunca exhibido en salas comerciales. Para permaneces "independiente" la clave fue autoproducirse. Filma en soportes de costos reducidos: 16mm y 8mm, las realizadas en 35mm fueron realizadas con "colas" sobrantes de otros films comerciales.
Vive un gran período en las montañas rocosas del Colorado, lo que mantiene de alguna manera alejado del movimiento underground norteamericano, por lo cual el término para definir su filmografía se acerca más al de "experimental" que al de "underground". Ajeno al american way of life podemos encontrar en su película Mothlight cómo el cineasta realiza la película sin siquiera usar una cámara, pegando sobre la cinta alas de mariposas y pedazos de vegetación:

"Mothlight" (1963)

Stan Brakhage toma el mundo que lo rodea y extrae belleza, utilizando planos cerrados, un montaje rápido, sobreimpresiones, y trabajando de una manera muy particular la luz. Otro recurso muy utilizado por el autor es la exaltación del grano en la película (sobre todo en las super-8).
Trabaja con muchos artistas, no sólo cineastas, sino provenientes de otras artes, como la poesía, la música, etc.
Fuertemente influenciado por el expresionismo abstracto en la pintura (Jackson Pollock), Brackhage incursiona también en la técnica de pintar sus propias cintas fotograma a fotograma. Asimismo experimenta con la caligrafía (remitiendo al signo más que al significado). El mundo en movimiento, movimientos ultra- rápidos, a veces lineales, a veces circulares, a veces lineales, los elementos se vuelven irreconocibles denotando energía pura.

Alguna filmografía:

"Cat's Cradle" (1959)


"Eye Myth" (1972)


"Glaze of cathexis" (1990)







El cine moderno

Resulta complicado delimitar la época llamada cine moderno. A diferencia de otras épocas tan marcadas de la cinematografía, no existen eventos que modifiquen el lenguaje cinematográfico para demarcarlo claramente (como por ejemplo el uso del montaje o aparición del sonoro en décadas anteriores). Las innovaciones realizadas en esta época tendieron más a reforzar el lenguaje que a modificarlo (aparición de las pantallas grandes y del color).

Esta etapa se caracteriza por la "búsqueda de lo nuevo" y "rechazo de la tradición".

Cronológiamante podemos ubicar al cine moderno junto con el nacimiento de las nuevas vanguardias y situarlo desde fines de los años cincuenta hasta mediados de los setenta.

Nouvelle Vague: nueva generación de cineastas reunidos alrededor de la publicación Cahiers du Cinemá dónde escribe artículos y críticas.

Son consientes del lenguaje cinematográfico, en palabras de Godard "somos los primeros cineastas que saben que Griffith existe".

Expresan sus propias inquietudes y su propio malestar.

- Abandonan las tramas novelescas y los personajes redondos
- No ocultan como sus antecesores los procedimientos de la puesta en escena. Evidencian la subjetividad del autor.
- Proponen y fomentan circuitos de exhibición alternativos.

Para estudiar al cine moderno, nos basaremos en la experiencia situada en Estados Unidos.

The New American Cinema group (1960) y la New Film Makers Coperative (1962) coronan casi 3 décadas de tentativas experimentales.
Siguen la idea de un cine personal, sin condicionamientos, utilizando formatos reducidos como el 16 mm y el 8 mm. Huyen de cualquier forma de distribución convencional. Todo lo que Hollywood había ignorado hasta el momento (por motivos de mercado, censura e ideología) será la base de este cine que asumió la etiqueta de UNDERGROUND.
Autodefinidos film makers, tomaremos a Jonas Mekas y a Andy Warhol (uno de los artistas mas significativos del pop art).

Warhol realizó films a partir de un encuadre único y un tema fijo:
Sleep (1964) - La filmación durante 6 hs de un hombre que duerme


Empire (1965) - La filmación del edificio Empires State por 8 hs


Kiss - besos entre amigos, amigas y asistentes




Si bien el New American Cinema Group intentó configurar, realizar y distribuir un tipo de cine que no supusiera ninguna clase de relación o de compromiso con Hollywood, en muchas de sus obras puede leerse una clara referencia al cine clásico Hollywoodense. Si bien se trata de parodias en tono irónico, no dejan de reconocer, implícitamente el importante papel de este cine.

Jonas Mekas
A partir de 1958 comienza a escribir en Village Voice. Mekas impulsaba la creación de un contrapunto neoyorquino a la Nouvelle Vague francesa y al Free Cinema inglés. Comienza filmando momento cotideanos de su vida y luego lo une con el montaje.
Velvet Underground's first public appearance (1966)



Alguna Filmografía de Mekas:







Volviendo al inicio del cine moderno, como sucedió en otros países uno de los momentos de mayor interés de estas experiencias alternativas lo constituyó el cine documental:

ANEXO: CINEMA VERITÉ

Utilización de equipos ligeros de cámara (16mm) y grabación directa del sonido, adoptan módulos expresivos propio del reportaje televisivo o basados en la improvisación.

Principales características:

- Toma sincrónica de imagen y sonido
- Equipos livianos
- Actores no profesionales que se interpretan a sí mismos
- Empleo de la improvisación y rechazo a las técnicas de estudio
- Papel activo de la cámara que intenta establecer un contacto directo e inmediato con lo real

Bibliografía consultada: saber ver el cine, Antonio Costa


viernes

La edad de oro en Hollywood

Ya hemos estudiado algunos de los factores que hacen posible el ascenso de Hollywood como industria cinematográfica:

- Desde Zukor que comienza con la organización desde la Paramount del Star y Studio System
- Otro aporte de Zukor es la clasificación de los films en diferentes categorías, según su presupuesto y público, colaborando en parte al comienzo de cine de géneros
- El cine sonoro también colabora en la consolidación de diferentes géneros (como el drama y la comedia, que utilizan la naturaleza de los diálogos para fortalecerse y el nacimiento de la comedia musical y los dibujos animados)
- El exilio de diferentes directores vanguardistas europeos a Norteamérica perseguidos por regimenes nacionalistas, lo que le da a Estados Unidos cineastas de gran experiencia

Entre 1932 y 1946 para muchos países cine era sinónimo de cine americano.

La respuesta a esto la encontramos en la formula organizativa de la economía cinematográfica que ya hemos visto aparecer en los años 20: el studio system, el star system y el cine de géneros.

Para la realización de las tomas fotográficas estudiaremos dos directores que gozaron de cierta libertad dentro del Studio System imponiendo sus propios estilos:

Orson Welles y Alfred Hitchcock

Comenzamos por Orson Welles, quien nace en 1915 y se dedica en primera instancia a la radio. Creador de la Guerra de los Mundos, radionovela en la que algunos oyentes toman por real un episodio en dónde los extraterrestres atacan la tierra generando un verdadero caos, es convocado para escribir y dirigir cine. Actor, guionista y director, estrena en 1941 una de las películas más importante en la historia del séptimo arte: Citizen Kane. En este film Welles reformula el lenguaje cinematográfico desde Griffith y los aportes de la Vanguardia Rusa.

Algunos de los aportes son los siguientes:

- Utilización de la profundidad de campo: para Welles la acción ocurre en varios lugares dentro de un mismo plano o plano secuencia
- Utilización del gran angular (en función tb de la profundidad de campo)
- Utilización de película de iso elevado (en función tb de la profundidad de campo)
- Nos encontramos frente a una sola narración armada por diferentes relatos debido a un uso nunca visto hasta el momento del flashback (era bastante elemental)
- Quiebra la iluminación utilizada hasta el momento en Hollywood (bastante pareja y desenfocados los primeros planos) para llevarla a su máxima expresión
- La altura y angulación de cámara seleccionada para cada plano tienen un objetivo claro que colabora en la narración
- Gran uso narrativo de los planos secuencia













Escuchamos "La guerra de los Mundos"
Vemos y analizamos en clase escenas de Citizen Kane.
Homenajes.

Seguimos con Alfred Hitchcock, reconocido como uno de los más grandes directores de género. Inglés, comienza trabajando como diseñador de rótulos para luego pasar a desempeñarse un poco en cada uno de los roles de los diferentes oficios cinematógraficos. Trabaja como asistente de dirección en la UFA (Alemania) y se influencia con el expresionismo alemán.

Luego de dirigir algunas películas, llega el éxito internacional con The man who knew too much en 1934. Una de las películas más importantes de su etapa en Londres es 39 steps.

Alrededor de 1940 se muda definitivamente a Hollywood para seguir su carrera, dónde continua trabajando hasta 1980 cuando fallece.

Es reconocido por todas las corrientes cinematográficas como el gran maestro del suspense y la sugestión.


PLANO SECUENCIA THE ROPE


Vemos y analizamos en clase "Psicosis", "The rope" y "Los pájaros".















PLano











jueves

El cine sonoro

En 1926 se estrenó en Nueva York Don Juan, con efectos sonoros y una partitura sincronizada y posteriormente varios cortos que fueron perfeccionando los dos sistemas que intentaban sincronizar el sonido con la imagen:

- El Vitaphone (desarrollado por la Warner)
- El Movietone (desarrollado por la Fox)


El primer largometraje presentado originalmente como película sonora fue El cantante de Jazz, estrenada en octubre de 1927.





La obra teatral el Cantor de Jazz había sido un éxito en Broadway en su versión original de 1925 y revivió en 1927 con Al Jonson como protagonista.

La llegada del sonoro causó una verdadera revolución en la estética de los films y en la técnica de producción y organización económica de la industria cinematográfica.

Algunos comienzan oponiéndose a este nuevo aporte, como es el caso de Charles Chaplin, quien utiliza el sonido en su película La Ciudad de las Luces (1931) como anexo a una película estructurada según los canones del "arte mudo".


Minuto59

En Rusia se redacta el Manifiesto del asincronismo, que intentaba encaminar la utilización del sonido por los senderos del contrapunto con el fin de garantizar la primacía del montaje como principio organizador y estético del film.

Los primeros films sonoros fueron poco alentadores frente a la madurez del cine mudo. Pero esto no impidió que el ciclo industrial de esta innovación fundamental siguiera su curso y modificara radicalmente el lenguaje cinematográfico y su estética. El cine es ante todo, una industria, por lo que el sonido se estudió y manejó según una lógica puramente económica.

El sonido enriqueció a muchos de los géneros y les dió nacimiento a otros. La comedia aprovechó las posibilidades del diálogo y el melodrama, que alcanzó un mayor realismo en la representación de los conflictos fueron dos de los géneros que más se destacaron con esta innovación tecnológica.

Dos de los géneros estrechamente relacionados con el nacimiento del sonido son: el musical y los dibujos animados.

El sonido fue un factor fundamental para el desarrollo del género fantástico y el de ciencia ficción, puesto que perfeccionó notablemente los efectos realistas de la narración cinematográfica.

Hacia 1930 el cine sonoro era un hecho y da lugar a la consolidación de Hollywood.

Steamboat Willie, Walt Disney, 1928



Homenaje The Simpson



La Danza Macabra, Walt Disney, 1929





Bibliografía consultada: Saber ver el cine, Antonio Costa.

viernes

TP Cinemagraph

Hola Fotógrafos,

TP1: Cinemagraph.

Tema: inspiración en alguna de las 4 vanguardias que estudiamos.
Grupos: 1 a 3 compañeros.
Entrega
Carpeta digital con nombre/s del/los autor/es conteniendo:
.gif en 500 px de alto
.psd para ver el proceso
videos en la carpeta del proyecto.

Fechas:
Comisión C mañana: 28 de septiembre
Comisiones A/B mañana y tarde: 23 de septiembre

Dejen sus dudas en los comentarios por favor.
Recordar que si no entregan van directo a recuperatorio. No se aceptan trabajos por la mitad o memorias comidas por perros u otras excusas. Las excusas no se fotografían.

Si no pueden exportar en sus computadoras porque se traban, usen los laboratorios de la facultad. No lo dejen para último momento. Tenemos tiempo y espero piezas bellísimas en composición, color, retoque, movimiento y técnica. Atenti al fondo y figura, atenti a las alturas, angulaciones, planos, etc.

Papel.

Laura.



miércoles

Trabajo práctico 1: ¡Cinemagraph!


1. Grabamos con nuestra cámara en trípode una situación en dónde haya movimiento.
2. Lo abrimos en PS como un archivo normal:




3. Ya en Photoshop habilitamos el comando TIMELINE desde WINDOW:

4 . Seleccionamos una parte del video en la línea de tiempo en dónde no hayan demasiados cambios en la imagen (sombras, luces, etc.). La selección se realiza moviendo las horquillas

5. Nos paramos en un frame y realizamos una capa nueva (ctrl+J):

6. Rasterizamos la capa:

7. Aplicamos una máscara en nuestra capa de imagen fija:

8 . Desagrupamos las capas seleccionando Video Group, botón derecho: desagrupar. Ponemos encima la foto fija del video.

9 . Seleccionamos la herramienta brush (pincel) para borrar parte de la capa superior y descubrir el movimiento de la capa de abajo (video):


10. Antes de exportar cambiamos el tamaño de imagen (imagen-tamaño de imagen) a 500 px de alto.

11. Guardamos para web (a partir de CC lo encontrás en "exportar" - para web):


12. Seteamos nuestras preferencias: 
GIF 256 Colores
Repetir: Infinito (para que funcione como loop)

¡Listo!

Con trípode


Sin trípode (Se nota el movimiento de la tierra que no funciona bien en la imagen)

Guía básica para comenzar a grabar video

Hola grabar video.

1 . Término 
Por la naturaleza del formato digital nosotros GRABAMOS. El término FILMAR es utilizado para soportes fílmicos.

2 . Encuadre
Se graba apaisado, no vertical. Es importante encuadrar como en foto fija, entender que en el cine existe un fuera de campo, pero que cada encuadre debe ser pensado cuidadosamente.

3. Modo 
Seteamos la cámara en modo MANUAL.

4. Formatos
Todo depende para qué usemos el material. La mayoría de nuestras cámaras nos darán estas opciones:

Full HD 1920 x 1080
Máxima calidad. La opción de cuadros por segundos que nos ofrece es de 24 o 25. Recordemos que 24 cuadros por segundo nos dará una imagen más cinematográfica.

1280 x 720
Nos permite grabar en 50 y 60 cuadros por segundo. Esto se utiliza para lograr una cadencia mas fluida en el caso de trabajar la cámara lenta a posteriori por ejemplo. 




5. Diafragma y Obturación
Velocidad de obturación: depende de la cantidad de cuadros por segundo (fps). A partir de esta selección vamos a elegir nuestra velocidad de obturación multiplicando el número seleccionado x 2. O sea que si trabajamos en 24 o 25 fps setearemos nuestra velocidad en 1/50 y si trabajamos en 50 fps nuestra velocidad de obturación será de 1/100. A partir de este seteo seleccionaremos el diafragma adecuado para una correcta exposición. 

6. Enfoque
Enfocaremos en modo manual. Para realizarlo correctamente utilizaremos la herramienta lupa para acercarnos al 100% al objeto o al sujeto. Ponemos en foco y luego volvemos al encuadre original. Funciona igual que en la foto fija, si cambiamos la distancia focal, cambia el enfoque. O sea que si nos movemos o se mueve el sujeto, debemos realizar marcas en nuestro lente para cambiar el enfoque a medida que nos desplazamos. Profesionalmente este tarea la realiza el primer asistente de cámara (foquista) mientras el camarógrafo opera la cámara.




7. Balance de blancos
Es fundamental realizarlo en el momento de toma. Lo ideal es utilizar la cámara en grados Kelvin para ser bien preciso. A posteriori se puede realizar una corrección de color pero es importante partir de una base correcta.

8. Exponer
Nos vamos a manejar como si estuviésemos trabajando en JPG (o sea que poseemos menor latitud que en la toma en RAW). No nos guiaremos por el fotómetro de la cámara ni por lo que nos muestra la pantalla, la herramienta que utilizaremos para controlar la exposición es el histograma. 

9. Trípode y accesorios
Es fundamental poseer estabilidad en la imagen, por lo que trabajaremos con un buen trípode que sea idóneo para realizar los movimientos de cámara que necesitamos. Si realizamos todas las tomas con cámara en mano y luego editamos el resultado no será profesional. Asimismo existen otros accesorios que nos permiten realizar movimientos "controlados" pero mas desestructurados que el trípode (el shoulder, el steadycam, etc.).

10. ISO
Al igual que en foto fija priorizaremos trabajar con un ISO que no genere demasiado ruido si el objetivo es ampliar la imagen.

11. Perfil
Para grabar video es importante seleccionar un perfil adecuado. Podemos seleccionar entre los que nos ofrece el fabricante (normal, neutro, paisaje, etc) o trabajar con un perfil que seteemos nosotros según nuestras preferencias ("usuario"). Asimismo existe la posibilidad de grabar con perfiles que incrustemos en nuestra cámara desde la página de Canon por ejemplo. Un perfil que se utiliza bastante es el Cinestyle. 




domingo

Unidades del Cine

Las unidades en las que se divide la narración cinematográfica son las siguientes:

• Plano: Unidad básica de narración cinematográfica. Es la unidad temporal ya que representa un fragmento de la realidad y tiene una duración determinada.
• Toma: Cada una de las veces que se graba un plano, independientemente de que esté en el montaje final de la película o no.
• Escena: Unidad espacial y argumental de la película compuesta por una serie de planos con sentido argumental.
• Plato: Espacio físico o escenario teatral donde se actúa.

Encuadre y planos
• A través del encuadre el director selecciona una parte del espacio real donde se desarrolla la acción.
• El encuadre o plano toma como referencia la figura humana.
• El encuadre se elige según la intención narrativa y el valor expresivo que se quiera transmitir. Por ejemplo, si el director quiere añadir dramatismo a una escena
utilizará el primer plano. Si por el contrario quiere mostrar cómo es un ambiente, utilizará un plano general.
• Los principales planos de encuadre que puede utilizar un director de cine son:

Planos
Gran Plano General (GPG). Es un plano descriptivo del escenario donde se desarrolla la acción. La figura humana apenas se distingue.
Plano General (PG). También describe el lugar donde se desarrolla la secuencia pero la presencia de la figura humana cobra más importancia, aparece completa
Plano Entero (PE): 
figura humana entera casi sin contexto
Plano Americano (PA) o plano tres cuartos: Corta a la figura humana a la altura de las rodillas.
Plano Medio (PM). Corta al sujeto por la cintura.
Primer Plano (PP). Corta al personaje por los hombros permitiendo observar el estado emotivo del mismo.
Plano de Detalle (PD). Recoge una parte pequeña de la figura humana: una mano, los ojos, una oreja...

La angulación
• El encuadre, además, se enriquece cuando el director elige un punto de vista
adecuado para registrar la escena. La angulación utiliza como criterio la altura de
la cámara en relación a la mirada de los personajes o actores. Las diferentes angulaciones aportan una carga expresiva.

Así, podemos distinguir entre:

A) Ángulo Medio punto de vista normal. La cámara se sitúa a la altura
hipotética de los ojos del espectador.
B) Ángulo Picado. La acción se observa desde arriba. Es también llamada
'vista de pájaro'. El ángulo picado, sirve para minimizar o ridiculizar a un personaje. Al apreciarlo desde arriba, con su mirada en la misma dirección, nos da la sensación de vulnerable o dominado.
C) Ángulo Contrapicado. La acción se observa desde abajo. La cámara se
sitúa a ras de suelo. Es también llamada 'vista de rana'. El ángulo contrapicado ayuda a magnificar al personaje, dándole un aire majestuoso y noble.
D) Ángulo Nadir. Es el contrapicado absoluto. La cámara se sitúa muy abajo y prácticamente perpendicular al suelo. Es como si el punto de vista adoptado estuviese debajo del personaje.
E) Ángulo Cenital. Es el picado absoluto. El punto de vista se sitúa en la
vertical del personaje. La cámara se encuentra muy arriba y perpendicular al suelo.
Movimientos de cámara

Clases de movimientos de cámara
A) Travelling: Consiste en un movimiento de la cámara durante el cual permanece constante el ángulo entre el eje óptico y la trayectoria del desplazamiento.
B) Paneo: Consiste en una rotación de la cámara en torno de su eje horizontal sin desplazamiento del aparato.
C) 
Tilt up y tilt down: Consiste en una rotación de la cámara en torno de su eje vertical sin desplazamiento del aparato.
D) Trayectoria: Combinación indeterminada del travelling y de la panorámica efectuada con ayuda de una grúa.



Este video fue realizado por Gonzalo Sanchez.


Enlaces y transiciones
• Los enlaces o transiciones están destinados a construir las articulaciones
del relato.
• Las transiciones tienen por objeto asegurar la fluidez del relato.

Procedimientos de transición
• A) El cambio de plano por corte seco: Es la sustitución brusca de una imagen por otra. Es la transición más elemental y a la vez fundamental , se realiza cuando la transición no tiene valor significativo por sí misma y cuando corresponde a un simple cambio de punto de vista o a una simple sucesión en la percepción, por lo general sin expresión de tiempo transcurrido ni espacio recorrido y , también, sin interrupción de la banda sonora.

• B) La apertura en fundido y el cierre en fundido (o fundido a negro): Suelen separa las secuencias unas de otras y sirven para marcar un importante cambio de acción secundaria, el transcurso del tiempo o hasta un cambio e lugar. El fundido a negro marca una notoria pausa en el relato y está acompañado por un detenimiento de la banda sonora. Es la forma de paso más destacada y corresponde al cambio de capítulo

• C) El fundido encadenado: consiste en la sustitución de un plano por otro por sobreimpresión momentánea de una imagen que aparece sobre la anterior, que se desvanece. Salvo raras excepciones siempre tiene por objeto significar un transcurso temporal, reemplazando en forma gradual dos aspectos temporalmente diferentes de un mismo personaje o un mismo objeto. El fundido encadenado, además, puede no tener más función que la de suavizar el corte seco para evitar los saltos de planos demasiado bruscos cuando se encadenan varios planos de un mismo sujeto.

• D) El barrido: fundido encadenado de un género en particular; consiste en pasar de una imagen a otra por medio de una panorámica muy rápida efectuada ante un fondo neutro y que en la pantalla aparece borroso.

• E) Las cortinas y los iris: Una imagen es reemplazada poco a poco por otra que se
desplaza, en cierto modo, delante de la anterior (lateralmente o a la manera de un
abanico), o bien la sustitución de la imagen se efectúa en forma de una apertura circular que se agranda o disminuye (iris).

Montaje
• Es la organización de los planos de un film en ciertas condiciones de orden y duración.
• Montaje narrativo
• Montaje expresivo

Montaje narrativo
• Es el aspecto más sencillo e inmediato del montaje que consiste en reunir planos, de acuerdo a una secuencia lógica o cronológica con vistas a relatar una historia, cada uno de los cuales brinda un contenido fáctico y contribuye a que progrese la acción desde el punto de vista dramático (el encadenamiento de los elementos
de la acción según una relación de causalidad) y desde el punto de vista psicológico (la comprensión del drama por el espectador

Montaje expresivo
• Basado en yuxtaposiciones de planos que tienen el objeto de producir un efecto directo y preciso a través del encuentro de dos imágenes.
• En este caso el montaje se propone expresar por sí mismo un sentimiento o una idea; deja de ser un medio para ser un fin: Tiende a producir efectos de ruptura en la mente del espectador, en lugar de fundirse en la continuidad .
• En la mayoría de los casos un montaje “normal” puede considerarse narrativo, mientras que un montaje muy rápido o muy lento es más bien un montaje expresivo pues el rito del montaje cumple una función psicológica. Sin embargo la división entre ambos no es precisa y suele darse que un montaje narrativo sea sumamente expresivo.

Extraído de texto de Marcel Martin.

Vamos a trabajar en clase sobre este clip:



1. ¿Qué alturas y angulaciones de cámara reconocés? ¿Qué tamaños de plano utiliza?
2. ¿Hay movimientos de cámara?
3. ¿Por qué pensás que la directora utilizó esos recursos?
4. ¿Qué sucede con los tamaños de planos a medida que avanza la historia?
5. ¿Qué podés decir de las transiciones? ¿Cuáles utiliza y qué significan? ¿Hay algún cambio?
6. ¿Es un montaje narrativo o expresivo? ¿Hay elementos de ambos? Justificar.
7.  ¿Te gustan los recursos del lenguaje utilizados? ¿Cómo contarías vos esta historia teniedo en cuenta angulaciones y alturas de cámara, tamaños de plano, movimientos de cámara, calidad de luz, etc? ¿Cambiarías algo o te parece que es correcta la forma de mostrarlo? En este ítem recordar el ejercicio "Profesora entra, alumnos saludan" (muchas maneras de contarlo).